Миланская неделя дизайна 2026

В этом апреле Миланская неделя дизайна вновь наполнила итальянский город посетителями, желающими увидеть последние тенденции и инновации в дизайне. Элли Уолтон делится своими впечатлениями в эксклюзивном репортаже из Милана.

Весной все говорят о Миланской неделе дизайна. Для меня это любимое событие года. С тех пор, как я впервые побывала на выставке в прошлом году, я считала дни до своего возвращения в столицу дизайна. Мои коллеги годами расхваливали её, и теперь я полностью понимаю почему. Город полон энергии, идей и творчества; добавьте к этому великолепное солнце и несколько заслуженных аперитивов, и это почти не похоже на работу.

Поскольку выставка Euroluce в этом году не проводилась, я предполагал, что в этом году всё пройдёт в более неспешном темпе: я буду бродить между выставками, возможно, даже немного осмотрю достопримечательности. Но я сильно ошибался. Мой график быстро заполнился: выставки, интервью, презентации продуктов и инсталляции — всё это вперемешку. Добавьте к этому несколько ошибок при ориентировании на улицах Милана с помощью Google Maps, и время пролетело незаметно. Как говорится, грешникам нет покоя.

В этом году я увидел Милан не в ярком свете, а в сиянии. Мне не нравится использовать слово «тренды», потому что, на мой взгляд, оно ассоциируется с мимолетным явлением, а, судя по тому, что я увидел в Милане, я считаю, что мы уже вышли за рамки быстротечных трендов и сосредоточились на инновациях и создании дизайна, который гармонично сочетается с нашим меняющимся образом жизни.

В ходе поездки по Милану в этом году стало ясно, что общее мнение о свете сводится к тому, что это уже не просто объект для созерцания; это активная сила, формирующая атмосферу, пространственный инструмент и материал, который можно изгибать и придавать ему форму, играющий роль, выходящую далеко за рамки простого освещения.

Освещение как создание атмосферы

Первым делом я хочу сказать, что свет не следует рассматривать в первую очередь как функциональный инструмент, а как элемент атмосферы – нечто рассеянное, возможно, мобильное и часто скульптурное. В сфере декоративного освещения за последний год резко вырос спрос на портативные и напольные светильники. Явно ощущается спрос со стороны предприятий общественного питания, желающих приобрести портативные светильники для своих столов, а также частных домов, которые теперь видят преимущества наличия мобильного источника света, который можно взять с собой куда угодно. Как Occhio's Era, так и последняя коллаборация Moorgen с известной студией дизайна интерьеров Yabu Pushelberg представили менее традиционные лампы и более светящиеся артефакты.

Светильник Occhio Era был представлен в их шоуруме в знаменитом районе Корсо Монтефорте (центре светового дизайна) под названием «Искусство отражения» . Изготовленный из цельного блока полированного стекла и управляемый легкими движениями с помощью датчиков движения, Era использует отражение для создания теплого, обволакивающего свечения. Представленный в шоуруме на бархатном столе, Era был выставлен как драгоценный камень – почти как метафора того, что свет – это нечто ценное и атмосферное, а не просто функциональное.

Более сдержанный, но не менее выразительный подход проявился в последней коллаборации Yabu Pushelberg с китайским брендом Moorgen на Moonbeam. Опираясь на форму традиционного фонаря, настольная карта равномерно рассеивает свет изнутри, полностью избегая направленного воздействия. Портативная и скульптурная, она продолжает эмоциональную и поэтическую идею света.

«В том, как свет воспринимался столетия назад, есть что-то романтическое, особое мировоззрение в Китае и по всей Азии, которое с изобретением электричества и искусственного освещения утратило определенное качество. Когда была изобретена лампочка, я бы сказал, она почти стала вторжением в нашу жизнь, потому что свет от нее не был сфокусированным; она просто отвечала практической потребности, помогая нам ориентироваться», — говорит Джордж Ябу, соучредитель Yabu Pushelberg, рассказывая об источнике вдохновения для Moonbeam.

Соучредитель Гленн Пушелберг добавляет: «В этом изделии, конечно, чувствуется китайская тематика, но оно также кажется искушенным, что очень приятно. Как говорит Джордж, в этой лампе есть дружелюбие и жизнерадостность: цвет, свечение и простая форма. По сути, это двусторонний литой стеклянный диск со светодиодным источником света в центре. Но когда вы смотрите на него, это как смотреть на полную луну: не просто идеально плоский диск, а нечто с кратерами и рельефом».

Тем временем, чуть дальше по Корсо Монтефорте, компания Flos превратила свое рабочее пространство в загадочное научно-фантастическое место, чтобы представить Nocturne — новейшую модульную систему Константина Грчича. Отсылая к тишине и просторам фильма «2001: Космическая одиссея» , светящиеся сетчатые панели с культовыми элементами дизайна простирались в пространстве, размещая светильники в абстрактном и кинематографическом пейзаже. Являясь развитием модели Noctambule от Грчича, Nocturne предлагала изысканное, сдержанное присутствие: контролируемое излучение, отсутствие бликов и свет, проходящий сквозь стекло, создавая калиброванные отражения и прозрачность.

Вместе эти проекты подчеркивают важность скульптурного искусства в мире освещения, а не являются показными произведениями, требующими внимания; эти объекты позволяют себе присутствовать в пространстве, но при этом быть мягкими, а не представлять собой целенаправленный луч света.

Освещение как пространственный инструмент

Если освещение как создание атмосферы подразумевает мягкость и присутствие, то проект Инго Маурера «И вот мы снова YaYaHo» продемонстрировал освещение как структуру и, по сути, как пространственное явление. Установленный по адресу Via Varese 13, проект переосмыслил культовую систему YaYaHo, впервые представленную в 1984 году, адаптировав её для современного использования, не утратив при этом её первоначального духа.

Оригинальная модель YaHoHo была разработана как каркас, а не как стационарный объект. Ее натяжные тросы позволяют свободно размещать светильники по всему пространству, давая пользователю возможность свободно формировать световой поток.

Аксель Шмид, руководитель отдела дизайна, представил инсталляцию и объяснил, что цель нового взаимодействия заключалась не в разделении старого и нового, а в обеспечении их сосуществования путем сохранения прежней структуры и ее обновления с помощью новых технологий, таких как незаметные светодиодные линии, заключенные в стекло, для создания более мягкого, архитектурного освещения. Система также может перемещаться дальше горизонтального положения, позволяя элементам подниматься и опускаться, или даже использовать элементы из японской бумаги, которые могут служить в качестве разделителей пространства. Элементы из японской бумаги также преобразуют свет, создавая рассеянный эффект или даже «рисуя» неоновые вывески.

Что особенно важно, инсталляция поощряла взаимодействие и игру, что гости и испытали во время вечеринки Инго Маурера, когда диджей крутил музыку и подавал коктейли в стиле YaHoHo. Интересно, что компоненты YaHoHo можно перестраивать, корректировать и смешивать с течением времени, что подтверждает идею о том, что свет — это нечто, с чем можно жить, что можно формировать и изменять, а не нечто неизменное.

Экспериментальные материалы и исследования

Наряду с разработкой новых продуктов и систем, меня всегда очень интересовали исследования материалов, еще с тех пор, как я начал публиковать в журнале статью о материалах. В нескольких презентациях акцент сместился с готовых продуктов на более открытые исследования, в которых процесс и тестирование имели приоритет над непосредственными коммерческими результатами.

Инсталляция HYLETech «Свет в материи: архитектурные вариации» объединяет идеи света как пространственного инструмента и экспериментальных материалов, но в большей степени ориентирована на технологии. Представленная на Миланской триеннале, инсталляция рассматривает свет и технологии как активные компоненты архитектуры. Исследуя концепцию «активной стены», инсталляция предлагает архитектурные поверхности, которые объединяют освещение, энергию и сенсорные функции в единую плоскость. В рамках своего присутствия в Милане HYLETech Lab позиционирует себя не столько как поставщик, сколько как партнер по дизайну, работающий на стыке исследований материалов, пространственной атмосферы и технических инноваций. В отличие от открытости и игривости YaHoHo Инго Маурера, HYLETech Lab предлагает будущее, где свет все больше поглощается архитектурой как встроенный и непрерывный элемент.

Кроме того, выставка Фоскарини в Spazio Monforte исследовала взаимодействие света и 3D-вязания. Вместо того чтобы представить готовую коллекцию, выставка рассматривала освещение как экспериментальную дисциплину и изучала, как текстильные структуры могут рассеивать свет новыми способами. Проект возглавляли дизайнеры Йозеф Форакис и Лоренцо Палмери, которые работали над двумя различными подходами к области 3D-вязания. Форакис, который сотрудничал с TexTech для создания необычных объемов посредством адаптации машин и нетрадиционных нитей, говорит:

«Традиционные рассеиватели действуют как стены; это барьеры, через которые свет должен либо пробиться, либо отразиться. Трехмерное вязание создает совершенно иной диалог. Поскольку материал обладает подлинной структурной глубиной, различной плотностью и намеренными пустотами, свет не просто падает на поверхность; он занимает ее. Свет мягко улавливается, фильтруется и формируется микроархитектурой стежков. Весь объект превращается в дышащий объем, смещая восприятие от функционального источника освещения к живой, чувственной атмосфере, которая мягко переосмысливает занимаемое им пространство».

Тем временем Палмери сотрудничал с MAS Knit Factory и Арманом Аветикяном, адаптируя методы, заимствованные из ремесла модной индустрии. Его исследование было сосредоточено на способности плоских текстильных поверхностей создавать объем, используя традиционные стратегии пошива и тщательно выверенные разрезы, чтобы превратить ткань в своего рода текстильное киригами.

В разговоре с Палмери о своих открытиях он говорит: «Я понял, что мы создаем не просто декоративные эффекты, а совершенно новое поведение света».

На этом этапе проект начал открывать более широкие возможности, связанные не только с этими конкретными изделиями, но и с возможным языком дизайна. Интересным аспектом было то, что каждое изменение пряжи, плотности или структуры глубоко преобразовывало световую атмосферу, почти как работа с живым материалом.

Более спокойная, но столь же ориентированная на материал работа представлена в проекте Preciosa «Дрейфующие огни» в виде иммерсивной инсталляции в галерее Tempesta в Брере. Состоящая из подвешенных панелей из пузырчатого стекла, работа исследует взаимодействие света и цвета через текстуру и глубину, а не только через форму. Используя фирменный 3D-эффект рассеянного света, инсталляция превратила галерею в медленно движущееся поле отражений, где свет, казалось, дрейфовал по стеклянным поверхностям и внутри них. Менее озабоченная зрелищностью, «Дрейфующие огни» укрепила идею освещения как ремесленного и атмосферного средства, основанного на поведении материала и эмоциональном резонансе, а не на технологической демонстрации.

Продолжая тему инноваций, стоит отметить инсталляцию ORNAMENTALE от formalighting , созданную совместно с дизайн-студией D'Alesio&Santoro. Я познакомилась с этой инсталляцией во время мероприятия Women in Lighting, организованного директором по операциям formalighting Шарон Магнаги и амбассадором Women in Lighting в Италии Джорджией Брусемини. Разработанная с учетом реальных потребностей комнатных растений, ORNAMENTALE сочетает в себе фитостимулирующий спектр светодиодов с высоким индексом цветопередачи, позволяя зелени процветать, не нарушая цветовую гамму окружающего пространства. Вместо того чтобы рассматривать освещение для растений как техническое дополнение, система позиционирует его как интегрированный архитектурный слой, адаптируемый к стенам, клумбам и вертикальным инсталляциям. В контексте обсуждений, развернувшихся в течение вечера, проект подчеркнул, насколько важны исследования материалов и технологий в более широком дискурсе об освещении в Милане.

Сообщество

Помимо самой инсталляции, встреча Women in Lighting (WIL) выдвинула на первый план социальные и профессиональные сети, которые продолжают формировать индустрию освещения. Мероприятие в Ratanà, организованное Магнаги и дизайнером по освещению и послом WIL Джорджией Брусемини, стало более неформальным, но значимым контрастом к насыщенной выставочной программе Милана. Беседы разворачивались за длинными столами с вкусной едой и аперитивами, а не за выставочными постаментами, что подчеркивало, что культура освещения поддерживается не только объектами и инсталляциями, но и наставничеством и обменом опытом. В неделю, часто доминируемую зрелищами, этот вечер послужил напоминанием о том, что прогресс в дизайне освещения должен происходить и в социальной сфере, через сообщество и гендерное равенство.

Подводя итоги моего опыта на Миланской неделе дизайна 2026, я бы отметил изменение приоритетов дизайнеров в мире освещения: акцент сместился с создания атмосферы на демонстрацию выразительности, систем на отдельные продукты, исследований на сиюминутные решения. На мой взгляд, в дизайне интерьеров акцент смещается с зрелищности на комфорт и инновации; однако при этом дизайн не страдает. Будь то ностальгические отсылки, экспериментальное мастерство или экологичные инновации, Salone del Mobile этого года показал, что будущее в дизайне освещения заключается в балансе технологий с теплотой и смыслом. Милан не просто представляет тренды, он предлагает видение более продуманного опыта, который будет актуален и после 2025 года.